AUSSTELLUNGEN

VERNISSAGE:

 

EINE VERNISSAGE KANN AUFGRUND DER MOMENTANEN COVID19-SITUATION NICHT STATTFINDEN. GERNE VEREINBAREN WIR MIT IHNEN EINEN PERSÖNLICHEN TERMIN.

 

AUSSTELLUNG: 29.11.2020 - 2.1.2021

 

Philine Görnandt
Zu Beginn ihrer künstlerischen Arbeit verarbeitet Philine Görnandt Naturmaterialien zu plastischen Objekten und organisch wirkenden Installationen. Bis heute bilden rhythmisch gestaltete oder gewachsene Oberflächen, die sich früher aus Materialanordnungen ergaben, die Basis ihrer Gestaltungen. In den letzten Jahren „verliebte" sie sich regelrecht in den Werkstoff Papier. Aus diesem schafft sie skulpturale Objekte, Wandreliefs und Leuchtkörper in weichen, organischen Formen, die in einer eigens dafür entwickelten Technik Schicht für Schicht und Stück für Stück zu „wachsen" scheinen. Durch diese Technik fühlt sich das sonst so empfindliche Papier erstaunlich fest an. Das Wachstum als solches steht thematisch im Zentrum ihres Schaffens, angezeigt durch Wiederholung und Abwandlung von Formen im Rahmen einer sukzessiven, prozesshaften Veränderung. Ihre Werke sind Teil öffentlicher und privater Sammlungen.

 

Das Kunstkabinett ist eröffnet!

 

In unserem Kabinett finden Sie Kunstvolles zum Verschenken und Selbstbehalten. Originale, Grafiken, Multiples und vieles mehr zu erschwinglichen Preisen.

Seien Sie neugierig auf die Dosenbilder von Tom Hönig, die kleinen Holzfiguren von Tilla Messermann, Zeichnungen von Florence

Dailleux, die Miniaturen von Suza sowie kleine Kunstwerke in der Sardinenbüchse. Sie finden Sigrid Palmers "Badegäste" und in Öl gefertigte Detailstudien von Mirta Domacinovic außerdem genähte Portraits und Abstraktes von Susanne Kramer und vieles mehr...

 

Lassen sie sich inspirieren!

VERNISSAGE:

 

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AUSSTELLUNG: 17.10.2020 - 28.11.2020

 

PETER BRAUNHOLZ, 1963 in Hannover geboren, wuchs in Frankfurt am Main auf. Durch seinen Vater, Solocellist des Frankfurter Opern- und Museumsorchesters, und seine Mutter, Klavierlehrerin, kam er früh mit Musik und Kunst in Berührung und lernte zunächst Klavier, später auch klassische und elektrische Gitarre sowie E-Bass. Nach einem Studienaufenthalt am Musicians Institute Los Angeles (USA) absolvierte er viele Auftritte mit unterschiedlichen Formationen, unter anderem live im ZDF mit Patricia Kaas.
 
Aufbauend auf sein Germanistikstudium war er auch als Autor, Gestalter und Fotograf für die Industrie tätig, darunter Daimler-Benz, Hoechst, Porsche, Deutsche Telekom u.a.
1998 verlegte er seinen Wohnsitz nach Kronberg im Taunus.
1999 wandte er sich der Fotokunst zu und hat seitdem in allen Länder Europas sowie in den USA und Neuseeland fotografiert. Bereits in seiner ersten Ausstellung in Köln wurden seine frühen Werke den Arbeiten international renommierter Kollegen wie Andreas Gursky, Candida Höfer und Thomas Ruff gegenübergestellt. In der Folge stellte Braunholz seine Arbeiten weltweit aus, u. a. im Kunst Haus Wien, Benaki Museum Athen, Museum Sinclair-Haus Bad Homburg, Museum Birmingham, SF Camerawork San Francisco, Arsenale di Venezia und Musée du Louvre Paris.
Er war auf internationalen Fotofestivals vertreten und erhielt viele internationale Preise. So wurde er 2018 von den Gala/Pollux Awards in England als International Architecture Photographer of the Year ausgezeichnet. Von 2010-14 war er Mitglied des Kuratoriums der Abisag-Tüllmann-Stiftung und Jurymitglied des gleichnamigen Preises, 2013 Stipendiat des Huantie Times Art Museum in Peking/China inklusive Tätigkeit als Portfolio Reviewer und Lektor an der Luxun Academy of Fine Arts in Shenyang/China, eine der bedeutendsten Kunsthochschulen Asiens. 2017 wurde er in die Jury der International Photography Awards (IPA) berufen.
 

VERNISSAGE:

 

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AUSSTELLUNG: 29.8.2020 - 10.10.2020

 

KONSTANTIN TOTiBADZE

Totibadze wurde Ende der 60er Jahre in Georgien geboren. Er stammt aus einer bekannten Künstlerfamilie.

Seine künstlerische Ausbildung erhielt er in der Hauptstadt der ehemaligen Sowjetunion und lebte, nachdem sich der eiserne Vorhang zwischen Ost und West gehoben hatte, in Paris und San Francisco. Derzeit pendelt er zwischen Moskau und Frankfurt am Main. Eigentlich ein typischer Anywhere der global vernetzten Kunstwelt, der an keinen bestimmten Ort mehr gebunden ist und überall in der Welt eine Ausstellung bespielen kann.

Seine Werke - in brillianter altmeisterlicher Malerei - sind weltweit in zahlreichen Galerie- und Museumsausstellungen zu sehen. Sie befinden sich u.a. im Staatlichen Museum für orientalische Kunst und im MMOMA in Moskau.

VERNISSAGE: Donnerstag, 06.02.2020, 19 bis 22 Uhr

 

Der Künstler ist zur Vernissage anwesend.

 

AUSSTELLUNG: 08.02. bis 28.03.2020

 

TOBIAS STUTZ  (*1983 in Filderstadt)
2005 - 2011 Studium der Freien Malerei (Akademie der Bildenden Künste, Nürnberg bei Prof. Fleck).
Gastsemester in Budapest (Akademie der Bildenden Künste).
2013 Abschluss als Master of Arts (Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft, Alfter/Bonn).

Oskar-Karl-Foster-, sowie Erasmus (Budapest) Stipendiat.

Zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen und mehrere Einzelausstellungen. Seine sehr reduzierten und gleichzeitig überaus spannenden Kompositionen (Öl auf Leinwand) stoßen bei Sammlern auf großes Interesse - u.a. finden sich mehrere Arbeiten in der Sammlung Böckmann, Berlin.

 

Tobias Stutz arbeitet mit dem Wiedererkennungswert der Dinge. Er gibt Gebäude oder Möbel der klassischen Moderne sachlich genau wieder. Personen fehlen meistens in seinen Arbeiten, Architektur oder Designgegenstände inszeniert er dafür jedoch umso präziser.
 
Gebäude werden auf diese Weise zu Repräsentanten klarer, reduzierter Formensprache des internationalen Stils, der zu Beginn des letzten Jahrhunderts am Bauhaus entstand. Stutz stellt die Kennzeichen dieses Stils dar: Flachdächer,  großzügige Fenster oder tragende Chrom-Stützen, als Kennzeichen der Skelettarchitektur Mies van der Rohes.

 

Das Abbilden real existierender Gebäude wie z. B. des Barcelona-Pavillons „Pavillon bei Nacht“ von 2016 geschieht bei Stutz durch den subjektiv gewählten Ausschnitt. Dieser macht die Eleganz aber auch die Radikalität der Architektur deutlich.

 

Das Ausschnitthafte gibt den Reiz vieler seiner Bilder wieder. Die Ausschnitte legt er so an, dass Linien und Flächen in konzentrierter, nahezu fotografischer Genauigkeit zu einem reduzierten Ganzen harmonisch zusammenfinden.

 

Tobias Stutz stellt Räume dar, die durch die Abwesenheit des Menschen keine Lebensräume, keine Handlungsräume sind. Jochen Meister spricht denn auch von „Sehorten“ und vom „reinen Schauen“, zu dem Stutz einlädt. Der Blick wird durch nichts gestört. Der Betrachter kann zur Ruhe kommen. Es drängt sich ihm keine Erzählung, keine Stimmung auf, er kann ganz bei sich bleiben.

VERNISSAGE: Donnerstag, 28.3.2019, ab 18.30 Uhr

 

Die Künstlerin ist zur Vernissage anwesend.

Der Kunsthistoriker Pascal Heß wird ab 18.30 Uhr in die Ausstellung einführen.

 

AUSSTELLUNG: Freitag, 29.3. bis Samstag, 11.5.2019

 

JULIA BELOT
Die 1969 im russichen Pskov geborene Malerin Julia Belot erfasst in Ihren Werken Momente der totalen Gegenwart. Das „Sich-Verlieren im Augenblick“ steht für sie im Zentrum. Mit sicherem Gespürsinn hält sie diese Ereignisse in ihren Bildern fest. Die Blumen am Wegesrand. Die Persönlichkeit von Pflanze, Mensch und Tier. Die Unvoreingenommenheit und die Träume der Kinder.

 

Inhalt ihrer Malerei ist für die Künstlerin nichts weniger, als das Leben. Darin sind Tiere, Pflanzen und Menschen stets einzelne Elemente eines Ganzen. Eine in der Dämmerung leuchtenden Nachtkerze ist dabei in ihrer Aussage nicht weniger stark, als ein strahlendes Kindergesicht.

 

Märchen oder Kinderträume - die Malerin sagt zum Wesen ihrer Arbeiten:
„Meine Bilder sind keine Rätsel. Sie sind wie Märchen oder Kinderträume. Sie visualisieren das, was uns in der Unerbittlichkeit
des Alltags verloren geht: Der Zauber. Sie halten die Augenblicke fest, die wir nicht vergessen sollten, weil sie mit dem Geheimnis des Lebens zu tun haben.“

 

Der Künstler Gunter Schmidt über das Werk Julia Belots:
„Das mehrfach ausgezeichnete Werk der in Wiesbaden lebenden Malerin ist geprägt durch einen brillanten, sensiblen Naturalismus. Ihre Motivwelt ist hochgradig naturbeseelt und lichtdurchflutet. Mit zarter Besessenheit und positiver Entschlossenheit rückt sie der organischen Welt zuleibe und gibt dabei dem Schönen und Harmonischen Raum.“

VERNISSAGE: DONNERSTAG, 18.10.2018, AB 19.00 UHR

 

Die Künstlerin ist zur Vernissage anwesend.

 

Die Kulturjournalistin Ulrike Schneiberg, bekannt vom Hessischen Rundfunk, wird um 19.00 Uhr mit einem Künstlergespräch in die Ausstellung einführen.

 

Ausstellung: Freitag, 29.10. bis Samstag, 17.11.2018

 

INK Sonntag-Ramirez Ponce

 

ist eine mehrfach international und national ausgezeichnete, freischaffende Künstlerin; sie lebt und arbeitet im hessischen Spessart und in Andalusien/Spanien.
Sie hat an zahlreichen Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen in Deutschland, Frankreich, Niederlande, Österreich, Schweiz, Spanien teilgenommen u.a. ART Madrid, ART Karlsruhe, Bundesministerium für wirtschaftliche Zusammenarbeit und Entwicklung, in Berlin und Bonn
Ihre Arbeiten finden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen im In- und Ausland.

Unser Blick verfängt sich im erstaunlichen Detailreichtum der Zeichnungen von INK, die sie mit höchster Sensibilität und Achtsamkeit aufs Papier bringt. Die Schönheit ihrer Zeichnungen nimmt uns gefangen.Gleichzeitig laden ihre Werke ein, universale Symboliken zu entschlüsseln und tiefer liegende Wahrheiten zu erkennen.
Beispielsweise der dekorative, farbige Apfel als erzählerisches Moment, der auf eine Kernszene der Bibel verweisen könnte.

Verführerische Sinnlichkeit ist in den Zeichnungen allgegenwärtig.

Das feine Gefühl, die Schwebe-Sekunde zwischen Liebe zum Gegenstand und Kritik am Gegenstand festzuhalten zieht die Betrachter in die tieferen Schichten ihrer Darstellungen. Die Oberflächen werden fast durchsichtig

 

„ … Sie baut - was ihr Können und ihre kritische Sicht auf den Geist der Dingwelt und der Beziehungen zwischen Innen- und Außenwelt betrifft - eine Brücke von Dürer bis Daumier.“  (Prof. Dr. Hans See)

Die Künstlerin ist samstags in der Galerie anwesend.
 
Die Galerie Kerstner freut sich über die Gelegenheit, kurzfristig neue Werke der Künstlerin Mirta Domacinovic zu präsentieren. Ab sofort haben Sie die Möglichkeit, die aktuellen Arbeiten persönlich in der Galerie zu sehen.

MIRTA DOMACINOVIC

 

Mirta Domacinovic, geboren in Kroatien, lebt und arbeitet als freischaffende Künstlerin.
Lange Zeit hat Sie an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach und an der Fachhochschule in Mainz unterrichtet.

Ihre Werke wurden bereits in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert. So fanden sie auch den Weg zum Goethe-Institut in Budapest, nach New York und sogar Korea.

Seit 1994 erfolgten zahlreiche öffentliche Ankäufe für namhafte Sammlung, darunter die der Deutschen Bank, der Landesbank Baden-Württemberg oder dem Museum für angewandte Kunst in Frankfurt am Main.

 

Der Stil ist geprägt von alltäglichen Szenen, die durch Mirta Domacinovics Interpretation zu einer spannenden Inszenierung werden.
Verschiedene Bildebenen bieten dem Betrachter die Möglichkeit, in die Szene des Dargestellten einzutauchen.
Körper, Gesichter und Gesten fordern den Betrachter zur Auseinandersetzung mit der gezeigten Szenerie auf und nicht selten entstehen regelrechte Blickkontakte zu den abgebildeten Personen.

Tritt der Betrachter nah an das Werk heran, nimmt er fast eine irritierende Oberfläche war.

Mit größerem Abstand wandelt sich diese Warnehmung beinahe in fühlbare Klarheit und man meint die Gespräche oder ein Lachen zu hören.

Die farbliche Ausgestaltung der Werke ist zurückhaltend und harmonisch, die Farben bestehen ausschließlich aus Pigment und Leinöl.

In erster Linie setzt Mirta Domacinovic Menschen ins Bild. In der aktuellen Ausstellung zeigen wir jedoch auch spannende kleinformatige Stillleben, die wie ein Memoryspiel aus zwei Teilen bestehen.

Donnerstag, 22.2. – Samstag, 21.4.2018
Der Kunsthistoriker Pascal Heß führte in die Ausstellung ein.

Die Ausstellung präsentieren Ihnen:

GALERIE KERSTNER und LUCAS SCHOORMANS

 

Lucas Schoormans
Den Kunsthändler, Berater und Verwalter eines Künstlernachlasses verbindet seit seiner Zeit als Galerist in New York die Zusammenarbeit mit der Künstlerin Liz Rideal.

 

 

Liz Rideal

Die Galerie Kerstner freut sich die erste Ausstellung in Deutschland der englischen Künstlerin Liz Rideal zu präsentieren, die aus Foto-Collagen, Fotogrammen und Fotos besteht.

Die Werke entstammen verschiedenen Werkzyklen der letzten 15 Jahre und sind thematisch untereinander vereint durch Rideal’s Interesse an Draperie und Wasser, und wie beidem Bewegung, sowie ein Licht-und Formspiel inne wohnt, das durchaus miteinander verwandt ist. So könnte der in Kaskaden fließende und tanzende Stoff durchaus ebenso stürzende, quirlende Wasserläufe sein.
Die neuesten Arbeiten der Serie ‚Dancing with Borromini’, entstanden während eines Rom-Stipendiums der British School at Rome,  und kontrastieren die statisch wirkenden Volumina der barocken Architektur Borromonini’s mit der flüchtig, verführerischen Bewegung flatternder, fließender Stoffbahnen.

 

Liz Rideal befasst sich seit mehr als zwanzig Jahren mit dem Wesen und den visuellen Möglichkeiten von Stoff und Draperie,  sei dies in kleinformatigen Foto-Collagen,  großen Installationen im Außenraum – sei dies auf Hausfassaden oder in die Natur hinein. In allen ist ihr Bestreben, das sich amorph verändernde Wesen von Stoff in Bewegung zu ergründen, sowie die Rolle dieses Sujets im Lauf und Wandel der Kunstgeschichte sowie anderen Kulturen zu ergründen. Ihr tiefstes Interesse liegt hier darin, wie Stoff genutzt wird zu kontrollieren, was gesehen oder verhüllt wird, und wie so im Betrachter sowohl Neugier als auch Unbehagen geweckt werden kann, was ‚hinter dem Vorhang’ verborgen liegen mag.

 

Rideals Interesse an Stoff ist ursächlich mit einer ihrer ersten Serien von Selbstportäts, die im Foto-Automaten entstanden, verbunden. Sie selbst sagt: ‚ Ich war damals an der Maskerade interessiert, wie das Ich präsentiert wird, wie es konstruiert wird. Wie man sich kleidet, und wie man so von anderen wahrgenommen wird, wie die anderen dich interpretieren, und wie somit der Stoff eine Geschichte erzählt. Diese eher akademisch motivierte Recherche verlagerte sich auf den Hintergrund der Foto-Koje (den Vorhang hinter dem/der Sitzenden) und ich begann mich auf den Stoff zu konzentrieren anstatt auf die Figur, das Sujet. Draperie ist entschieden zweideutiger, amorpher  - ähnlich wie Malerei – und so kam ich durch das Selbstporträt zur Abstraktion; innerhalb des Foto-Automaten: nur Stoff, kein Porträt.’

 

Liz Rideal lebt und arbeitet als Künstlerin und Autorin in London. Ihr Werk besteht aus Fotographie, Malerei, Skulptur, Druckgrafik, Film(-installation).

Ihr Werk wurde in zahlreichen Einzel-und Gruppenausstellungen in Europa und USA gezeigt. Ihre Werke befinden sich u.a. in den Sammlungen des/der: Arts Council England; Bibliotheque Nationale , Paris; British Broadcasting Corporation, London; The British Museum, Dept. of Prints and Drawings, London; The George Eastman House, Rochester; Museet for Fotokunst, Odense; The Natiional Portait Gallery, London; Tate Gallery, London; Victoria & Albert Museum, Photographa, Book and Print Deptartments, London; Yale Centre for British Art, New Haven.

Sie ist die Autorin von ‚Mirror/Mirror: Self-Portraits  by Women Artists,’ National Portrait Gallery, London, and Watson-Guptill, New York, 2001; ‚Insights: Self-Portraits’, National Portrait Gallery, London, 2005; ‚How to Read Paintings’, Bloomsbury, London, and Rizzoli, New York, 2014 and 2015.

 

Ausstellung: Sonntag, 12.11. bis Samstag, 16.12. 2017

Tobias Stutz wurde 1983 in Filderstadt geboren. Er studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg unter Professor Fleck Malerei.

 

2007 und 2010 erhielt Tobias Stutz je ein Stipendium und wurde 2010 in den besonders für junge Künstler wichtigen Kunstkalender der Lfa Bayern aufgenommen. Darüber hinaus erhielt er den Kunstpreis der VR-Bank Erlangen.

 

Tobias Stutz arbeitet mit dem Wiedererkennungswert der Dinge. Er gibt Gebäude oder Möbel der klassischen Moderne sachlich genau wieder. Personen fehlen meistens in seinen Arbeiten, Architektur oder Designgegenstände inszeniert er dafür jedoch umso präziser.
 
Gebäude werden auf diese Weise zu Repräsentanten klarer, reduzierter Formensprache des internationalen Stils, der zu Beginn des letzten Jahrhunderts am Bauhaus entstand. Stutz stellt die Kennzeichen dieses Stils dar: Flachdächer,  großzügige Fenster oder tragende Chrom-Stützen, als Kennzeichen der Skelettarchitektur Mies van der Rohes.

 

Das Abbilden real existierender Gebäude wie z. B. des Barcelona-Pavillons „Pavillon bei Nacht“ von 2016 geschieht bei Stutz durch den subjektiv gewählten Ausschnitt. Dieser macht die Eleganz aber auch die Radikalität der Architektur deutlich.

 

Das Ausschnitthafte gibt den Reiz vieler seiner Bilder wieder. Die Ausschnitte legt er so an, dass Linien und Flächen in konzentrierter, nahezu fotografischer Genauigkeit zu einem reduzierten Ganzen harmonisch zusammenfinden.

 

In einigen kleinformatige Arbeiten stellt Tobias Stutz Museumsbesucher dar, die sich in abstrakte Gemälde versenken und dabei zur Ruhe kommen. Er hätte einfach Lust darauf gehabt, Menschen zu malen, sagt er. Dabei ist das Motiv der Versenkung bedeutend für die Malerei der klassischen Moderne. Die Begegnung von Kunst und Kunstbetrachter im Museum ist ferner ein häufiges Thema der zeitgenössischen Fotografie.

 

Tobias Stutz stellt Räume dar, die durch die Abwesenheit des Menschen keine Lebensräume, keine Handlungsräume sind. Jochen Meister spricht denn auch von „Sehorten“ und vom „reinen Schauen“, zu dem Stutz einlädt. Der Blick wird durch nichts gestört. Der Betrachter kann zur Ruhe kommen. Es drängt sich ihm keine Erzählung, keine Stimmung auf, er kann ganz bei sich bleiben.

 

Unser ganz besonderer Dank gilt dem Kunsthistoriker Pascal Heß, welcher die einführenden Worte zur Vernissage gesprochen hat.

Ausstellung: Freitag, 15.9. bis Freitag, 27.10.2017

Die einführenden Worten des bekannten Kunsthistorikers Pascal Heß bilden den Auftakt zur Ausstellung der beiden gefragten Künstler.

 

Christiane Erdmann - Skulpturen

wächst in Istanbul und Berlin auf. An der Werkkunstschule in Wiesbaden absolviert sie eine Ausbildung in den Fächern Keramik und Skulptur. Bei ihrem dreijährigen Aufenthalt in Rom konzentriert sie sich auf Fotografie und Keramik und gelangt schließlich zum Werkstoff Holz, mit dem sie sich nun seit mehr als 20 Jahren intensiv auseinandersetzt.

 

In ihrem Atelier des Kunstvereins Walkmühle entstehen Skulpturen, die sie aus großen Holzblöcken herausarbeitet. Aus massiven Stämmen unterschiedlicher Hölzer entstehen die Formen ihrer Figuren mit der Kettensäge; mit dem Beitel schält sie sie dann endgültig heraus.

Menschen und Tierfiguren sind häufig das Thema bei Christiane Erdmann.

Wir freuen uns, ihre neue Werkreihe zu präsentieren, die gegenständlich bleibt. Thema diesmal:
 
Stillleben!

Überbordende Tische mit Früchten, Getränken, Käse und vielem mehr, machen Lust, die neuen Arbeiten im Detail zu betrachten.
Neben der Serie der klassischen Stillleben präsentieren wir außerdem die mit einem Augenzwinkern versehene Reihe der „Damenhandtaschen“, auf deren Inhalt wir gespannt sein dürfen.

Die Skulpturen der Wiesbadener Künstlerin werden in nationalen und internationalen Ausstellungen regelmäßig präsentiert und sind in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.
Die Galerie Kerstner zeigt Christiane Erdmanns Arbeiten seit mehreren Jahren.

Wulf Winckelmann - Malerei

Der 1967 in Freiburg im Breisgau geborene Künstler studierte Kommunikationsdesign an
der FH Mainz mit den Schwerpunkten Freie Grafik, Fotografie und Buchgestaltung. Er ist Mitbegründer des Vereins „Kunst + Raum Wiesbaden e.V.“, seit 2005 „Künstlerverein Walkmühle e.V.“.

 

Der Werkzyklus „Fondamenta“ ist der Titel eines weitgehend abstrakten Gemäldezyklus. An diesem arbeitet der Künstler Wulf Winckelmann durchgängig seit 1999 bis in die Gegenwart.

 

Die Werkreihe umfasst zahlreiche Gemälde auf Leinwand, immer in gleicher proportionaler Ausdehnung, zumeist im Format 110x250 cm. Die Arbeiten der Reihe haben die intensive Auseinandersetzung mit der Raumwirkung und den Eigenschaften von Farbe als Material einerseits und andererseits eine Faszination für die bauliche und atmosphärische Einzigartigkeit der Stadt Venedig gemeinsam. Der Begriff „le Fondamente“ bzw. „Fondamenta“, den alle Arbeiten des Zyklus im Titel tragen, stammt aus dem Italienischen und bezeichnet insbesondere in Venedig die befestigten Ufer entlang der Kanäle und Wasserstraßen. Als vollständig ins Wasser gebaute, farbenprächtige Stadt ist Venedig in seiner Erscheinung und Geschichte einmalig und für Winckelmann nachgerade ein Symbol für das „Werden“ und „Vergehen“ an sich: Gegründet auf Abermillionen von Ulmen- und Lärchenstämmen, die als Fundament in den sandigen Lagunengrund getrieben wurden, stehen alle prachtvollen Bauten der Stadt aus den Epochen der Gotik, Renaissance und des Barock buchstäblich mit den „Füßen“ im Wasser. Dieses den Elementen ausgesetzt sein führt zum anhaltenden Verfall der Bausubstanz und der Notwendigkeit permanenter Erneuerung.

 

Unzählbare übereinandergelagerte, abblätternde Farbschichten und -spuren, die an den Außenwänden der venezianischen Bauten zu Tage treten, waren Ende der Neunzigerjahre für Winckelmann eine große Inspiration. Sie prägen seinen Malstil bis heute maßgeblich. Mit Hilfe von Spachtel und Pinsel trägt er zahlreiche, zunächst pastose und dann zunehmend dünnere, lasierende Farbschichten übereinander auf. Noch während des Trocknungsprozesses werden diese partiell wieder entfernt.

 

Ergebnis dieses zeitintensiven Malprozesses ist eine faszinierend vielschichtige und materialhafte Polychromie, die sich dem Betrachter der zunächst oft als eher monochromatisch empfundenen Werke erst durch das Herantreten an die Leinwand offenbart.

Ausstellung: Freitag, 9.6. bis Montag, 31.7.2017

In einer Einzelausstellung zeigt die Galerie Kerstner Arbeiten der international tätigen Künstlerin, bei denen Malerei und Fotografie auf gekonnte und subtile Weise zu einer Einheit verschmelzen.

 

Verena Guther setzt sich in ihren Werken mit den Metropolen der Welt auseinander und macht Städte  wie New York, Paris, Berlin, Shanghai oder Madrid zu Ihren Protagonisten. Dabei stellt sie die Eigenständigkeit der jeweiligen Städte heraus, unterstreicht besondere Blickwinkel und Perspektiven durch ihren individuellen Farbcharakter. Die Künstlerin veranlasst den Betrachter mit ihren Arbeiten den eigenen Blick neu zu schärfen und ihm eine neue Richtung zu geben. Ihre Fotomontagen beweisen, dass Guther während des künstlerischen Schaffensprozesses weit über das Beobachten einer passionierten Fotografin hinausgeht, sie lässt den Betrachter teilhaben an ihrer Imagination, ihren Empfindungen. Das fotografische Material welches sie von ihren Arbeitsaufenthalten in den Städten mitbringt, verwandelt sie anschließend in digitale Bildmontagen bei denen Fotografie und Malerei eine Symbiose eingehen. Dabei greift die Malerei teilweise die Strukturen der Fotografien auf und setzt diese in rhythmisierter Form in der Malerei fort. Die gemalten Elemente sind meist von einer klaren und kräftigen Farbigkeit. Trotz aller Strukturen, die uns in Guthers Arbeiten begegnen, präsentiert sie uns in der Verbindung der malerischen und fotografischen Elemente, die Städte in ihrer Wandelbarkeit, als ein sich veränderndes und bewegtes Gefüge. Verena Guthers Fotomontagen zeigen ein höchst sensibles Spiel mit Strukturen, Perspektiven und Farbatmosphären, dass die Aufmerksamkeit auf die ästhetischen wie architektonisch reizvollen Komponenten lenkt.

 

Das Studium führt Verena Guther 1979 nach Berlin. In den Jahren ihrer Ausbildung im Fach Visuelle Kommunikation an der Hochschule der Künste Berlin bei Professor Helmut Lortz, erkundet sie in Grenzgängen zwischen Malerei und Fotografie die Potentiale beider Metiers. Nach ihrem Diplom 1984 arbeitet sie als freiberufliche Graphikerin in Berlin. Daneben dokumentiert sie in Serien von Fotografien die innere Peripherie der Stadt: stillgelegte Bahnhöfe, Industriegebiete und Quartiere im Umbruch - um sich zunächst konsequent der Malerei zuzuwenden. Auf Leinwand und Stahlblech entfaltet Verena Guther großformatige Farbfeldmalerei. Schwerpunkt ihrer Arbeiten bilden, gerade in Ihren Fotomontagen und Collagen, die sozialen und städtebaulichen Strukturen der Metropolen.

Ihre Arbeiten sind in zahlreichen Ausstellungen, Sammlungen  und auf Kunstmessen im In- und Ausland (Deutschland, Holland, Belgien, Großbritannien, Frankreich, Spanien, Italien, Schweiz, Österreich, Ungarn, Polen, USA, Kanada, Korea, China und Japan) erfolgreich vertreten.

Seit 1992 lebt Verena Guther (*1957), mit ihrer Familie als freischaffende Künstlerin in ihrem Geburtsort Darmstadt.

 

Anja Trieschmann, Schwäbische Bank Kalender „Verwandlung als Konstante“, 2011:

 

Verena Guther nähert sich dem Wesen einer Stadt auf mehreren Ebenen bildhaft an und stellt in ihren Arbeiten den Makrokosmos und den Mikrokosmos in einen komplexen Dialog. Der poetische Duktus ihrer Arbeiten lebt von der Leidenschaft für farbliche Analogien und grafische Zusammenhänge. Sie macht dadurch deutlich, dass der Charakter einer Stadt nichts Starres, Endgültiges ist. Stattdessen erfindet jede neue Zeit ihre eigenen urbanen Merkmale, bringt eigene Standpunkte hervor und erklärt alle vermeintliche Sicherheit als relativ. Grit Weber schrieb dazu treffend: „Guther zeigt uns die Städte als flexible Gefüge, keine Einheiten also, sondern bewegte Heterogene, die immer an die neuen Bedingungen angepasst werden müssen.

Ausstellung: Freitag, 5.5. bis Dienstag, 6.6.2017

Einführung in die Ausstellung: Lucas Schoormans

Der 1958 in Lübbecke/Westfalen geborene Thomas Jessen zählt längst zu den renommierten deutschen Malern. 1980–86 hat er an der Kunstakademie Düsseldorf studiert. Dort war er Schüler von Gerhard Richter und 1985 Meisterschüler von Alfonso Hüppie. Im selben Jahr hatte er ein Stipendium des Landes NRW an der Cité des Arts in Paris.

Thomas Jessen, für den die Malerei die Qualität unausweichlicher Unmittelbarkeit besitzt, ist ein ebenso begnadeter Porträtist als auch wunderbarer Landschafts- und Blumenmaler.

Er versteht seinen Beruf im positivsten Sinne als Berufung und ist fest davon überzeugt, dass die Malerei heute mehr denn je in der Lage ist, den Betrachter zu berühren.

Der Kampf der Malerei mit der Fotografie und umgekehrt, beziehungsweise gegeneinander ist Thema der Kunst von Thomas Jessen, der in seinen Werken nach Fotos malt, Gemaltes fotografiert, gemalte und fotografierte Sujets miteinander in einem Werk kombiniert, so dass der Betrachter schon sehr genau hinsehen muss, um zu erkennen, was welchen Ursprungs sein könnte. Meist jedoch geht die Malerei als farbstrotzende Siegerin aus dem Bild hervor, da die Malerei für den Künstler das Leben verkörpert, während er die Fotografie als Metapher der Vergänglichkeit deutet.

Ausstellung: Freitag, 3.2. – Mittwoch, 1.3.2017

Die 1969 im russichen Pskov geborene Malerin Julia Belot, erfasst in Ihren Werken Momente der totalen Gegenwart. Das „Sich-Verlieren im Augenblick“ steht für sie im Zentrum. Mit sicherem Gespür in hält sie diese Ereignisse ihren Bildern fest. Die Blumen am Wegrand. Die Persönlichkeit von Pflanze, Mensch und Tier. Die Unvoreingenommenheit und die Träume der Kinder.

 

In Julia Belots Gemälden spielen Kinder häufig eine zentrale Rolle. Sie verfügen über Fähigkeiten, welche dem Erwachsenen im Lauf der Jahre fast oder sogar komplett verloren gehen. Kinder hingegen sind in der Lage, eins mit der Natur zu werden und sich gänzlich in ihrem Tun verlieren zu können. Für die Künstlerin ein Schlüssel zum Glück. Die Bilder Julia Belots sind nicht wirklich idyllisch, vielmehr sollen sie eine sehr subjektive Idylle darstellen, beispielsweise aus der Sicht des Kindes.

 

Nach abgeschlossenem Biologiestudium beginnt Julia Belot ein Studium an der Staatlichen Akademie für Kunst in St. Petersburg - auf der Suche nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten. Im Jahr 1997 schließt sie das Kunststudium erfolgreich abt. Sie ist seither als Künstlerin tätig und lebt und arbeitet in Wiesbaden.

 

Im Jahr 2004 erhielt Julia Belot das Gutenbergstipendium der Stadt Mainz. 2009 war sie Stipendiatin der Klasse Xenia Hausner. 2010 erhielt sie den Jurypreis der Stadt Annweiler am Trifels.

Die Malerei Julia Belots vermittelt eine ganz und gar positive Botschaft. Ob einzelne Menschen, Stadtszenen oder Naturdarstellungen - immer versucht die Künstlerin, positive Stimmungen und Momente in ihrem Werk zu reflektieren. Dem Betrachter ein glückliches Gefühl zu vermitteln, ist ihr zentrales Anliegen. Sie möchte an die schönen Dinge des Lebens erinnern und den Betrachter für einen kurzen Moment dem Alltag zu entziehen.

Den Grundgedanken ihrer Malerei spiegelt eine leuchtenden und facettenreiche Farbpalette wider. Julia Belot hält ihre teilweise phantastisch wirkenden Sujets in Öl auf Leinwand fest.

 

Märchen oder Kinderträume – die Malerin sagt zum Wesen Ihrer Arbeiten:

 

„Meine Bilder sind keine Rätsel. Sie sind wie Märchen oder Kinderträume. Sie visualisieren das, was uns in der Unerbittlichkeit des Alltags verloren geht: Der Zauber. Sie halten die Augenblicke fest, die wir nicht vergessen sollten, weil sie mit dem Geheimnis des Lebens zu tun haben.“

 

Für die Serie „Gewächshaus“ malte die Künstlerin z.B. ganz bewusst Pflanzen, die in abgeschlossener Umgebung kontrolliert gezüchtet werden, ganz gegensätzlich zur Flora der freien Natur. Diese Bilder wirken wie Porträts von sonderbaren, teils skurrilen, teils exotischen oder schönen Personen. Bei uns sind sie fremd, diese „Bewohner“ der Glashäuser. Manche sind uns bereits lange bekannt, wie der Kaffee, der Ingwer oder die Baumwolle. Dennoch sind uns ihre Züge nicht vertraut. Wir sind ihnen noch nie auf Augenhöhe begegnet. Diese exotischen Wesen sind fragil, in unserer freien Natur nützen ihnen ihre Überlebensstrategien nichts. Allein im Glashaus ist ihnen das Überleben möglich. Und doch fühlen sie sich bei uns wohl – werden doch einige von ihnen über hundert Jahre alt. In ihrem Heimatland ist manche Art bereits ausgestorben, existiert bei uns jedoch noch hinter Glas.

 

Der Künstler Gunter Schmidt über das Werk Julia Belots:

 

„Das mehrfach ausgezeichnete Werk der in Wiesbaden lebenden Malerin ist geprägt durch einen brillanten, sensiblen Naturalismus. Ihre Motivwelt ist hochgradig naturbeseelt und lichtdurchflutet. Mit zarter Besessenheit und positiver Entschlossenheit rückt sie der organischen Welt zuleibe und gibt dabei dem Schönen und Harmonischen Raum.“

 

Inhalt ihrer Malerei ist für die Künstlerin nichts weniger, als das Leben. Darin sind Tiere, Pflanzen und Menschen stets einzelne Elemente eines Ganzen. Eine in der Dämmerung leuchtenden Nachtkerze ist dabei in ihrer Aussage nicht weniger stark, als ein strahlendes Kindergesicht oder ein Wolf, welcher aus seinem Versteck heraus eine ahnungslose Menschenmenge beobachtet. In ihrem Zusammenspiel bedeuten all diese Puzzlestücke das Leben.

 

Im Interview mit Renate Reifert erläutert Julia Belot die Entstehung Ihrer Werke:

 

„Auch die Bilder, die sehr real aussehen sind nicht absolut realitätstreu. Fast immer lasse ich etwas weg oder füge etwas hinzu, wenn es dazu dient, die Aussage des Bildes zu verstärken. Manchmal lasse ich eine Hauswand hinter dem Blumenbeet verschwinden, manchmal  lasse ich einen Bär erscheinen, wo er nicht gewesen war.“

 

Die Galerie Kerstner zeigt die Arbeiten Julia Belots regelmäßig in Ausstellungen in Kronberg.

Ausstellung: Freitag, 11.11.2016 – Januar 2017

Elfi Knoche-Wendel

Nach Ihrer Berufung an die Kunsthochschule der Johannes-Gutenberg-Universität in Mainz wandte sich die 1943 in Mährisch Trübau (Sudetenland) geborene Künstlerin dem Medium Papier zu. Einerseits als Träger ihrer Graphitarbeiten, zum Anderen als eigenständiges Ausdrucksmittel.

 

Seit 1995 sind 4 Werkgruppen entstanden. Die erste Gruppe umfasst Arbeiten, die ausschließlich in Graphit ausgeführt wurden. Formale Grundlage ist das Quadrat, gegliedert durch weiße Linien. Das in verschiedenen Richtungen aufgetragene Graphit schimmert metallisch grau bis schwarz. Anklänge an architektonische Formen werden erkennbar. Einzelne geometrische Formen treten aus einem monochromen Hintergrund hervor, minimale Verschiebungen erzeugen den Eindruck von Tiefe und Bewegung.

 

Die zweite Gruppe lässt noch das quadratische oder rechteckige Grundelement erkennen, nun zusätzlich überlagert oder durchdrungen von „cuttings“ auf weißer Fläche, erscheinend als dreidimensionales, tastbares, lichtinstrumentierendes Relief.

 

Die dritte Gruppe zeigt geometrische Rasterreliefs in schwarz oder weiß. Allover-Strukturen, erzeugen je nach Schnittlänge und Größe bewegte Oberflächen. Graphit wird durch Ruß ergänzt oder ersetzt, um ein tiefes Schwarz zu erhalten. Im Vordergrund steht nun das Oberflächenrelief und die Entstehung von Licht und Schatten durch die cuttings.

 

Die vierte Gruppe thematisiert die Darstellung von spiralförmigen Körpern und Kreisformen. Einzeln oder in Gruppen werden durch die cuttings bewegte Oberflächen erzeugt. Durch Licht und Schatten entsteht, je nach Standpunkt des Betrachters, ein anderes Bild.

 

Ralph Kerstner

Ralph Kerstner fertigt im Geist der Konkreten Kunst Prägedrucke mit minimalistischer Formensprache. 1953 in Grafschaft geboren, widmete er sich nach erfolgreicher Karriere als Unternehmer in der Automobilindustrie der Kunst. Er begann zunächst mit konkreten Skulpturen aus Stahl, beeinflusst durch die Werke Günther Ueckers entwickelte er dann neuartige technische Verfahren für die Bearbeitung von Papier.

 

Der Galerist Michael M. Marks schreibt:
„Kerstner kreiert kluge Kunst, da er mit großem Erfahrungsschatz nicht nur um die Beschaffenheit seines Materiales weiß, sondern auch, wie er komprimiert, anordnet, formatiert und schlussendlich auch komponiert. Mit großem Forschergeist arbeitet er mit Bildern in Bildern, entnommen aus der Welt der Geometrie, in der aber immer Formen auch symbolhaft oder metaphorisch für reale, alltägliche Dinge übersetzt werden können. Nie ist die Form allein das, was sie zu sein scheint, sondern zudem auch das, was wir ihr zuordnen.“

 

Die von ihm entwickelte Prägetechnik kombiniert Ralph Kerstner oft mit Schnitten und anschließendem Falzen einzelner Segmente der geschnittenen Formen. Über die Prägung hinaus rückt das so entstehende Werk noch weiter von der Zweidimensionalität des ursprünglichen Materials Papier ab. Dies verstärkt auch die wichtigen nichtmateriellen Elemente Reflexion und Schattenwurf, welche wesentlich zu Tiefe und Dynamik der Werke beitragen.

 

Ausstellung: Freitag, 2.9. - Mittwoch, 10.11.2016

Das Thema der neuen Bilderserie „mobil“ von Rita Lausberg sind Menschen im öffentlichen Raum. Passanten, unterwegs in Autos, Bussen, Bahnen oder zu Fuß. Mobil auch im doppelten Sinn, mit Hilfe ihrer Smartphones. Wir Menschen sehnen uns nach Mobilität. Unser Gehirn lässt uns immer wieder neue Ziele anstreben. Wir schaffen uns Hilfsmittel, um diese Ziele zu erreichen. Im Streben nach der Erfüllung unserer Wünsche, sind wir Menschen einander ähnlich. Beim Betrachten der Anderen erkennen wir uns selbst. Das macht für Rita Lausberg auch die Faszination der gewählten Bildmotive aus.

 

Tausende Fotos macht sie von Passanten und trifft eine Auswahl der Bilder, welche sie malen will. Das Foto gibt eine Momentaufnahme einer Bewegung wieder. Durch die Malerei wird der Moment erkannt und extrahiert. Durch den verlangsamten Blick des Betrachters entsteht ein intimer Blick. Ein Blick auf eine Szene des menschlichen Seins im öffentlichen Raum.

 

In den Reflexionen auf dem glänzenden Autolack erkennt man verzerrte Ausschnitte der Außenwelten. Ausschnitte, die Wesentliches verbergen. Immer gibt es auch Irritationen in den Bildern, Schatten, die lebendig werden, Spiegelungen, die Welten zeigen, gefundene und erfundene Perspektiven.

 

Alles in Allem eine erfrischend unklare Angelegenheit.

MIRTA DOMACINOVIC

Ausstellung: Samstag, 2.7. bis Freitag, 19.8.2016

 

 

Mirta Domacinovic, geboren in Vinkovci, Kroatien lebt und arbeitet als freischaffende Künstlerin in Frankfurt/M. (D) und in Perbersdorf bei St.Peter/Ot.(Ös). Ihre Werke wurden bereits in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert. Die Arbeiten fanden so ihren Weg zum Goethe-Institut in Budapest, nach New York und sogar Korea. Seit 1994 erfolgten zahlreiche öffentliche Ankäufe für namhafte Sammlungen, darunter die der Deutschen Bank, der Landesbank Baden Württemberg oder dem Museum für Angewandte Kunst in Frankfurt am Main.

Ihr Stil ist geprägt von alltäglichen Szenen, welche für sich genommen kein besonderes Ereignis darstellen. Ein kurzer Moment am Strand, im Schwimmbad oder einem Club wird durch die Interpretation von Mirta Domacinovic zu einer spannenden Szene.

Die Handelnden der Szenerie sind im Vordergrund angeordnet. Dabei spielen durchaus jedoch auch Personen eine wichtige Rolle, von denen nur der Rücken zu sehen ist. Sie bilden fur den Betrachter eine Möglichkeit, in die Szene einzutauchen.

Die farbliche Ausgestaltung der Werke ist zurückhaltend und harmonisch, Mirta Domacinovic arbeitet mit Pigment und Leinöl, zum Teil auf grober Leinwand. Oftmals ist der leicht ausgefuhrte Pinselstrich zu erkennen. In erster Linie setzt sie Menschen ins Bild. Körper, Gesichter und Gesten fordern den Betrachter zur Auseinandersetzung mit der gezeigten Szenerie auf und nicht selten entstehen regelrechte Blickkontakte zu den abgebildeten Personen.

Tritt der Betrachter nah an das Werk heran, nimmt er fast irritierende Oberflächen wahr. Mit größerem Abstand wandelt sich diese Wahrnehmung in beinahe fühlbare Klarheit. Man ist eingeladen, in die einzelnen Ebenen des Werkes einzutauchen, ein Wechselspiel zwischen Nähe und Distanz kann entstehen. Als Beobachter der Szenerie oder, so man sich darauf einlassen will, beinahe als Teilnehmender, der Oberflächen zu spüren, Gespräche oder ein Lachen zu hören glaubt.

 

 

Stefan Hoenerloh „INSTABILITÄT DER WIRKLICHKEIT“

Ausstellung: Samstag, 30.4. bis Donnerstag, 30.6.2016

 

 

Man beginnt als Künstler seine Tätigkeit ohne zu wissen, dass man Künstler wird. Das stellt sich erst später heraus. Anfangs gibt es einen unbändigen Wunsch, bestimmte Vorstellungen umzusetzen und erst nach einigen Jahren Tätigkeit merkt man, dass man einen Beruf hat, der bestimmte gesellschaftliche Normen in Frage stellt und einigen typischen Mechanismen unterworfen ist. Aber ursprünglich war der Beginn des Tuns nur ein Sehen und Staunen mit dem Wunsch, das gesehene zu erweitern. Zunächst beginnt man, Fragmente zu fotografieren.

Warum nun der Schwerpunkt auf Architektur bzw. Raum liegt, ist eine der schwer zu erklärenden Fragen, da sie aus einem jugendlichen unartikulierten Bedürfnis erwuchs. Architektur ist eine vom Menschen geschaffene langfristige Raumsituation, welche gut dazu geeignet ist, Zeit, Informationstheorie und Negativraum gleichzeitig darzustellen. Die Natur hat ebenfalls langfristige Raumsituationen hervorgebracht, aber sie können nur Inspirationsquelle sein, da der Bezug zum Menschen fehlt. Da aber Bauwerke ebenfalls länger als Menschen existieren, heben sie sich über deren Wichtigkeit primär hinweg. Ostberlin, als es noch nicht renoviert war, war nun das Paradebeispiel für stehengebliebene Zeit weltweit neben einigen Stadtvierteln Neapels und New Yorks.

Die Zeitfrage ist in den Bildern dadurch dargestellt, dass Gebäude übereinander gestellt sind, ohne dass sich ihr Baustil ändert. Dies zeigt eine Metapher für eine fortschrittslose Gesellschaft, in welcher das menschliche Gehirn Zeit hat, sich evolutionär den neuen Entwicklungen anzupassen; ergo eine sehr langsam vergehende, begreifbare Zeit. Die entsprechend Analogie findet sich in der Erosionsarchitektur, welche sich ins Gestein einschneidet, hingegen die Städte kristallin wachsen.

Mit dem Manierismus eklektizistischer Formen wird ein Teilbereich der Postmoderne über den Punkt hinausgeführt, ein Nebeneinander von zitierten Stilen zu bilden.
Für J.-F. Lyotard, der das Thema 1979 philosophisch ausarbeitete (1982 dt. "Das postmoderne Wissen"), beschreibt Postmoderne einen geistigen Zustand der Gegenwart nach dem Scheitern der großen Utopien. Hier hingegen ist unausgesprochen eine ehemalige, scheinbar aus der Vormoderne kommende Utopie als Kulisse vorausgesetzt. Dieses Architekturcapriccio verweist somit auf die Gleichzeitigkeit bestimmter pseudohistorischer Ereignisse, die eine Hinterfragung ihrer stilistischen Herkunft darstellen, da sie Anachronismen beinhalten. Es gibt zeitliche Widersprüche in den Arbeiten, die auf eine Realität jenseits der Utopien hinweisen, aber dennoch eine scheinbare Ideale Stadt als Ausgangspunkt nehmen. Die Besuche in Rom waren hier naturgemäss durch die dort exitierende Zeitenschichtung der grösste Einfluss.

Warum sind die Oberflächen der Gebäude rissig und verwittert wie eine Patina?
Die entstandene Information komplexer patinierter verwitterter Oberflächen ist ein Symbol für eine Gesellschaft, die wahrscheinlich durch die höhere Quantität an Information die Höherstehende ist. Die Bibliothek von Athen hatte gewiss weniger Bände als die British Library, genauso hat eine schmutzige Wandfläche tausendfach mehr Information als eine frisch gestrichene. Besonders für Kleinlebewesen ist die verwitterte Wand ein Sammelsurium an Versteckmöglichkeiten, komplex wie ein Tropenwald. Das Streichen einer Wand ist also die egoistische Zerstörung von Lebensraum und Information

Bei modernen Bauten findet man weder proportionierte Schönheit noch gibt es eine heterogene Wand, welche durch ihren Komplexitätsgrad eine Allegorie zu Baumrinde, Holzboden oder Felswänden darstellt, sondern nur Oberflächen und Formen, welche eine möglichst weite Entfernung zu jeder Natürlichkeit zurücklegen sollen. Die Angst der Menschen vor der Natur (und dem Tod) hat hier eine neue Dimension gewonnen. Die 3 Väter des Internationalen Stils (Le Corbusier, Mies v.d.Rohe und W.Gropius) haben einen Stil geschaffen, welcher zusätzlich eine extreme Ökonomie am Bau zuliess und sich damit komplett weltweit ausgebreitet hat. Diese Ökonomie (das Gegenteil von Kultur) lässt sich nun nicht wieder wegzaubern, die Gründe dazu sind in Tom Wolfes Buch "Mit dem Bauhaus leben" genauestens und verständlich dargelegt. In Felswänden hingegen findet man glattpolierte Flächen eigentlich eher selten, diese Rauhheit wurden im Gegenzug von Frank Lloyd Wright aufgegriffen.

Den Blickwinkel zu finden ist eine andere, schwierigere Aufgabe. Ein Situation wird zunächst schemenhaft skizziert. Manchmal wird auch eine Situation aus einem Canyon nachgestellt, mit Hauswänden verdeutlicht. Dann wird Haus für Haus soweit hin und her geschoben in einem virtuellen Grundriss, bis der Blickwinkel interessant ist. Canyons gibt es in dieser Form tatsächlich, hingegen der Realismus der Bilder nur ein scheinbarer ist. Es wird hier mit den Möglichkeiten der Komposition und räumlicher Staffelung eine Geschichte aufgebaut, die es nie gegeben hat. Die Analogie zur zeitbeständigen Natur ist gegeben, und sowenig sich in jener bestimmte Fragen stellen, sowenig ist die Frage nach der Kausalität bestimmter architektonischer Hinterlassenschaften beantwortbar. Sie mündet somit in die Forderung Adornos in der „Ästhetischen Theorie“, dass das Kunstwerk immer Rätsel produziert, die es nicht auflöst: "Die Unbestimmtheitszone zwischen dem Unerreichbaren und dem Realisierten macht ihr Rätsel aus."

Die Vertauschung von Innen- und Außenraum, die Schaffung des Gefühls der Temperatur, die Isoliertheit der Darstellung durch das Fehlen aller beweglicher Dinge und die Antagonistenpaare homogene und heterogene Oberflächen, Ruhe der Architektur und Bewegung der Perspektive, Angst einflössende dunkle Ecken und belichtete Inseln der Ruhe, erzeugen einen starken perspektivischen Sog. Jede Situation muss genau auf der Grenzlinie zwischen Fiktion und Erinnerung balancieren, da nur dann jegliches Schubladendenken unterlaufen wird.

Ein weiteres Thema der Arbeiten kommt aus der ästhetischen Raumtheorie, die sich ja nicht mehr nur mit Fassade und Innenraum beschäftigt, also dem reinen Außen und Innen der klassischen Architekturtheorie, sondern verstärkt mit der Wahrnehmung von Atmosphären. Zur Atmosphäre gehört eben auch die Positionierung im Stadtraum, das Licht, die Beziehung zu anderen Formen in der Umgebung, die durch Schatten und Spiegelungen in Fenstern angedeutet werden. Auch hier waren die Canyons gleich zeitlosen Stadtschluchten der Motor für virtuelle Planungen, da die ehemals inspirierenden realen Bauten inzwischen hinlänglich von dieser Erde verschwunden sind. Alle Fotos dieser Präsentation zeigen Häuser, welche so nicht mehr existieren, hingegen die Canyons den Betrachter auch in Millionen Jahren nicht enttäuschen.

 

 

„À TABLE - ZU TISCH“

Ausstellung: Samstag, 30.4. bis Donnerstag, 30.6.2016

 

 

Eine Ausstellung rund um‘s Essen und Trinken
À la Carte oder als Menü

mit Arbeiten von Florence Dailleux und Sabine Kasan

Ausstellung: Freitag, 12.2. bis Freitag, 15.4.2016

Die Künstlerinnen werden zu Vernissage und Finissage anwesend sein.

Einmal mehr eine Ausstellung, die Spannendes erwarten lässt. Beginnt doch schon die Vernissage mit dem Thema:

„Wie man mit den Augen isst und mit der Nase trinkt.“

Passend dazu erwartet die Galeriebesucher ab 20 Uhr eine Einführung in die Welt der Weine, mit Verkostung. Durchgeführt von Konstantin Kovarbasic.

zu Florence Dailleux
Florence Dailleux wurde in Paris geboren und hat in Schottland, Chile und Mexiko gearbeitet, bis sie in Frankfurt mit ihrer Familie sesshaft wurde. Nach Ihrem Studium der Geisteswissenschaften und Anglistik und mehreren Jahren Erfahrung im Marketing und Erwachsenen Bildung, griff sie in Mexiko wieder zu Ihren Stiften und ließ sich zu Ihrem Traumberuf im Bereich visuelle Kommunikation und Illustration weiterbilden. Sie ist seit 2006 freiberufliche Illustratorin und Künstlerin und hat in Kronberg Ihr Atelier. Die bunten, multikulturellen Einflüsse prägen Ihre Farbpalette und ihren vielfältigen Arbeitsstil. Sie ist Mitglied der Illustratoren Organisation e.V.

zu Sabine Kasan
Geboren 1955 in Oberhausen. 1976-1982 Studium an der Hochschule der Künste Berlin, Meisterschülerin bei Bernd Koberling. Zahlreiche Einzelausstellungen, 1989 Kunstpreis der IG Metall und 1991 Marianne-Werefkin-Preis des Vereins Berliner Künstlerinnen.

Über ihre Arbeit sagt sie:
Ich male immer unmittelbar vor dem Motiv, ob es nun Stilleben oder Landschaften sind. Meine „Kulturstillleben“ entwickeln sich aus den Eindrücken, die ich bei gesellschaftlichen Ereignissen wie Bällen und Empfängen, in Restaurants oder Speiseetagen der Luxuskaufhäuser gewinne. Dort sehe ich, wie Teller und Schüsseln, Gläser und Servietten arrangiert sind und abgegessene Reste liegen bleiben. Die für meine Bilder notwendige Software, nämlich Brot, Käse, Früchte, Schokolade, Fische etc., kaufe ich mir für jedes meiner Bilder neu. Von der Hardware, also Teller, Tafelsilber, Servietten, Sektkühler, habe ich einiges im Atelier vorrätig.

 

 

"DIE KUNST ZU SCHENKEN"

Ausstellung: Freitag, 12.2. bis Freitag, 15.4.2016

 

 

„Die Kunst zu Schenken“ – in vielen Unikaten, Multiples und Kleinserien von Künstlerinnen und Künstlern können Sie Ihr ganz persönliches Weihnachtsgeschenk entdecken und erstehen.

In der Ausstellung finden Sie Werke zu Preisen bereits ab 50 €. Egal ob Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen, Fotografien, Radierungen oder Objekte – bei der „Kunst zu Schenken“ findet so jeder ein originelles und außerdem individuelles und einmaliges Geschenk.

Ziel der Ausstellung ist, einer noch größeren Zahl unserer Galeriebesucher den Erwerb eines hochwertigen Originals zu ermöglichen.

 

 

„CARS - LOVE AFFAIRS“

Automotive Art von C.A.R. - Curd Achim Reich (Malerei) und Raimund Göbner (Skulptur)

AUSSTELLUNG: Samstag, 28.11.2015 - Freitag, 29.1.2016

 

 

Walter Röhrl, die deutsche Rallye-Weltmeister-Legende, sagte einmal augenzwinkernd wie provokant:
„Man kann ein Auto nicht wie einen Menschen behandeln - ein Auto braucht Liebe.“

Eine Aussage, die anstößt, auch wenn sie sicher nicht ganz ernst gemeint war. Dennoch Sinnbild für das besondere Verhältnis, welches viele Enthusiasten mit ihrem Automobil verbindet.

Die Liebe, die ein Auto erfahren kann, findet beim Maler C.A.R. Curd Achim Reich und bei dem Bildhauer Raimund Göbner den Weg in die Kunst.

Leidenschaftlich wie detailverliebt und mit großem handwerklichen Können zeigen beide Künstler auf verschiedene Weise, wie das oftmals doch als profan gescholtene Thema „Automobil“ zur Herzensangelegenheit im künstlerischen Ausdruck wird. In Bildern, die Geschichte(n) erzählen und Skulpturen, die den Betrachter schmunzeln lassen.

Gezeigt werden Arbeiten des Künstlers Curd Achim Reich, der durch seine Ausstellungen der internationalen Oldtimerszene besser unter seinen Initialen C.A.R. bekannt ist, sowie Skulpturen von Raimund Göbner, dessen oft humorige Holzarbeiten mit dem Thema Oldtimer ebenso zusammenhängen, wie auch die immer wieder beeindruckenden Bilder von C.A.R..

 

 

„EPHEMERE“

MIT ARBEITEN VON ULRIKE CRESPO

AUSSTELLUNG: Samstag, 26.09.2015 - Donnerstag, 29.10.2015

 

 

Schönheit und Vergänglichkeit, Liebe und Tod. Kein Lebewesen findet in der Symbolik häufiger Verwendung als die Blume – die Faszination für Blumen und deren Bedeutungsvielfalt gibt es in allen Weltkulturen. In der Malerei des 15. Jh. fand die christliche Pflanzensymbolik einen Höhepunkt, etwa mit vielfältigen Marienattributen in Gestalt von Blumen.

Blumenstillleben seit dem 16. Jh. verwiesen auf Vergänglichkeit und Eitelkeit alles Irdischen. Auch zeitgenössische Fotografen wenden sich immer wieder diesem Bildmotiv zu. Herausragende Beispiele sind Robert Mapplethorpes erotisch aufgeladene Kobralilien und Callas, Nobuyoshi Arakis sinnlich-morbide Blüten-Arrangements oder die lichtdurchfluteten Polaroids von Tulpen und Paeonien im Spätwerk Cy Twomblys.

Die zarten, fast immateriell wirkenden Blumenbilder der Fotografin Ulrike Crespo dagegen sind nicht arrangiert, sondern leben von einem fein austarierten Zusammenspiel von Naturhaftigkeit und beinahe malerisch zu nennender Fotografie. Wie schon in ihren Landschafts- und Blumenbildern im Licht der Dämmerung (veröffentlicht 2011 im Bildband »Twilight«) wählt Crespo auch hier den flüchtigen Augenblick des Blühens, dem das Vergehen schon innewohnt.

ULRIKE CRESPO lebt und arbeitet in Frankfurt, Wien und Irland. Sie hat mehrere Fotobücher veröffentlicht. Ihre Fotografien wurden in Einzelausstellungen gezeigt. Sie nahm außerdem an verschiedenen Gruppenausstellungen teil.

Freuen Sie sich an diesem Abend auch auf musikalische Beiträge passend zur Einstimmung auf das Kronberg Academy Festival.

 

 

"ART MEETS INTERIOR INTO THE GREEN"

AUSSTELLUNG: Samstag 29.8.2015 – Donnerstag 24.9.2015

 

Ein temporäres Austellungskonzept der Galerie Kerstner und der Innenarchitektin Andrea Poerschke.

ART MEETS INTERIOR ist ein innovatives, von der Galerie Kerstner und der Innenarchitektin Andrea Poerschke entwickeltes Konzept temporärer Ausstellungen, bei der Kunst und Inneneinrchtung zu einer harmonischen Einheit verschmelzen. Bei den Präsentationen dieser neuen Reihe sind die Elemente der Inneneinrichtung mit den Werken der ausstellenden Künstler bewusst in einem Gestaltungskontext zueinander gesetzt, der die Besucher inspiriert und neue Gestaltungsideen für den Innen- und Außenraum eröffnet. Denn die Kunst braucht nicht nur Raum, sondern der Raum braucht auch die Kunst. ART MEETS INTERIOR ist daher die perfekte Symbiose aus hochwertiger Kunst und gestaltetem Raum.

INTO THE GREEN heißt das vom Künstler Wulf Winckelmann gewählte Thema der ersten Ausstellung innerhalb dieser innovativen Reihe. Seine neuen, aus zahlreichen Farbschichten aufgebauten Gemälde oszillieren zwischen Abstraktion und Naturalismus. Gemeinsam ist Ihnen in dieser Ausstellung das Ausloten und die Auseinandersetzung mit der Farbe Grün – im unmittelbaren wie auch übertragenen Sinne.
Ergänzt werden die Gemälde Winckelmanns von Arbeiten der Bildhauerin Christiane Erdmann, deren Holzskulpturen gleichzeitig Kunst und charaktervolles Einrichtungsobjekt sind. Beide Künstler verfügen über eine reichhaltige Erfahrung mit Kunst im Innenraum: In den vergangenen Jahren realisierten sie in Europa und insbesondere auch in Hong Kong zahlreiche Kunst-am-Bau-Projekte.

Gerne entwickeln die Innenarchitektin Andrea Poerschke und der Galerist Ralph Kerstner für Ihr Zuhause oder Ihr Unternehmen ein individuelles Einrichtungskonzept mit Kunst. Sowohl ein exklusiver Atelierbesuch bei den Künstlern als auch die Beratung zu Produkten namhafter Hersteller aus dem Interiorbereich kann in den Gestaltungsprozess einfließen. Lassen Sie sich überraschen und sprechen Sie uns an …

Andrea Poerschke Innenarchitektur
Schöne Aussicht 20 • 61476 Kronberg
T: 0170 2756423
E: buero@innenarchitektur-poerschke.de
www.innenarchitektur-poerschke.de